Historia del Arte Bizantino

El arte bizantino constituye uno de los episodios más grandiosos del arte universal. Se fundamenta en el arte griego y paleocristiano, con grandes influencias orientales (persa y musulmana).

Para los templos, se usa con preferencia la planta centralizada o de cruz griega con grandes cúpulas sobre pechinas. Aunque los materiales constructivos no son especialmente ricos, sí lo es su decoración a base de mosaicos y pinturas murales, donde la representación de la figura humana, solemne y hierática, genera una gran sensación de espiritualidad que heredará posteriormente el arte románico.

El arte bizantino se va a dividir en tres grandes etapas:

• Arte protobizantino: 527 - 726, año en el que aparece la querella iconoclasta. La época dorada de este arte coincide con la época de Justiniano.

• La querella iconoclasta se prolongó entre los años 726 - 843 y enfrentó a los iconoclastas contra los iconódulos y fue tan violenta que produjo una crisis artística acentuadísima, especialmente en el arte figurativo.

• Primera Edad de Oro Bizantina: 913 - 1204, momento en que los cruzados destruyen Constantinopla.

• Segunda Edad de Oro Bizantina: 1261 - 1453, cuando los turcos toman Constantinopla.

El cesaropapismo va a durar durante todo este periodo y este arte va a ser fundamentalmente áulico, al servicio del poder político, y cuando represente al emperador, hecho muy frecuente, será un arte que aparentemente parece irreal, pero que es el reflejo de esa ostentación majestuosa y solemne que rodeaba a los emperadores y les convertía en símbolos del poder político y religioso.

Arquitectura y Arte Bizantino Medieval

Tras la querella iconoclasta se dan tres periodos según la dinastía gobernante en Bizancio:

• Período Macedonio: 867-1057.

• Período Comneno: 1081-1204.

• Imperio latino de Constantinopla: cuando llegaron los cruzados de occidente.

• Período Paleólogo: contemporáneo al gótico.

Respecto a la arquitectura, predominan dos tipos iglesia: la de cruz inscrita y la de octógono cruciforme. En ambas se da la planta cuadrangular o rectangular, una cruz inscrita y una cúpula central coronando el edificio. Esto se debe fundamentalmente a que pretenden que el templo sea un compendio del cosmos creado por Dios, por eso se denominan iglesias microcosmos. La cúpula simboliza el cielo, el cuadrado representa la tierra y la cruz es la forma geométrica que sirve de interrelación entre el cielo y la tierra.

buscan la anulación espacial mediante:

• Fondos de oro como telón de fondo y si no se usa el oro, telones cromáticos.

• Representación de paisajes y arquitecturas totalmente conceptuales.

• Los suelos no tienen relación real con los objetos o figuras que se depositan en ellos.

• Se usan perspectivas conceptuales: las jerárquicas y las diversas fundamentalmente.

• Se buscan los arquetipos intemporales, las figuras-esquema, que anulen el concepto de tiempo. Esto lo logran mediante:

o Se suprimen los moderados, que dan sensación de plasticidad y relieve. Por el contrario, predomina la línea.

o Tendencia a figuras muy estilizadas, ya que la estilización contribuye a manifestar espiritualidad.

o Impasibilidad e inmovilidad.

o Las figuras siempre se proyectan en dos dimensiones, anulan conscientemente la tercera dimensión.

Generalmente todos los programas iconográficos, del mismo modo que los recursos estilísticos, se repiten constantemente en todas las iglesias. Esto se debe a la elaboración posiblemente en la segunda mitad del siglo IX de un tratado llamado "Hermeneia" en donde se dicta cómo se deben realizar las escenas y que escenas deben colocarse en cada lugar del templo. De este modo, surgió un proyecto decorativo que va a ser común para todas las iglesias.

La Hermeneia no se conserva, pero la conocemos muy bien porque en el siglo XIX se encontró un manuscrito que recogía la Hermeneia en un monasterio del monte Athos, en Grecia. En función de la Hermeneia las escenas y las figuras disponen de la misma manera:

• El nivel inferior (en los muros): deben aparecer exclusivamente patriarcas del Antiguo Testamento, profetas, apóstoles, mártires y obispos.

• En el nivel medio (trompas, pechinas, tímpanos...): deben aparecer historias de la vida de Cristo que recojan sus momentos más trascendentales.

• En el nivel superior (cúpulas y bóvedas de horno en los ábsides): debe aparecer Cristo en majestad, la Vírgen y los ángeles.

Arte paleocristiano

Arte Paleocristiano

Entre la caída definitiva de Roma y la plena instalación de una cultura cristiano-germánica en Europa, transcurren tres siglos dominados por un arte espiritualmente en alza pero económicamente en decadencia: el arte paleocristiano. El arte paleocristiano nace con los orígenes del cristianismo dentro del Imperio Romano pero se manifiesta en su fase de esplendor a partir del 313

del Edicto de Milán, cuando la religión oficial del Imperio va a ser el cristianismo,El realismo clásico es sustituido por el expresionismo cristiano

El hecho de que el cristianismo se difundiera primero por las provincias romanas de Oriente va a suponer una influencia anticlásica de un arte tradicionalmente simbólico y expresivo (Egipto, Persia, etc). Además el hecho de que esta nueva religión se difundiera antes entre las clases sociales más bajas, conlleva la necesidad de usar un lenguaje más claro y fácilmente comprensible por los fieles. Como la liturgia cristiana exige la congregación de todos los fieles, las paredes de sus catacumbas primero y de sus basílicas después, se llenarán de imágenes y escenas elocuentes cuya narrativa no ofrezca lugar a dudas.

La Arquitectura.

Las primitivas comunidades cristianas se congregaban en casas particulares o en catacumbas: pasadizos secretos y subterráneos donde se celebraba la liturgia. No hay pues una arquitectura oficial que defina el nuevo espíritu. Pero en el año 313 se acaba la clandestinidad y los cristianos toman la basílica romana para sus fines religiosos porque era el edificio que mejor se adaptaba a sus necesidades y a las grandes concentraciones de fieles.

La iconografía

La iconografía La iconografía escultórica es víctima también de la tradición hebraica que prohibe la representación de la divinidad. Por eso, hasta bien entrado el siglo IV, no va a haber escultura de bulto redondo. Sin embargo en los sarcófagos se mantiene la línea escultórica romana siendo a veces imposible de distinguir unos de otros

La Pintura

La pintura abandona el procedimiento del fresco para acogerse al más duradero y refinado del mosaico. Las escenas están tomadas indistintamente de Viejo y del Nuevo Testamento, siempre con las figuras humanas en claro protagonismo sobre un paisaje esquemático y accesorio. Aparece toda la simbología propia del cristianismo, el cordero, el pastor, el pantocrátor, el pez, etc. Paulatinamente nos alejamos de los patrones clásicos, desaparece el relieve y el modelado para dar paso al color plano y la línea gruesa, la cual resalta más la expresividad del fervor religioso. Formas compositivas jerarquizadas y simétricas, frontalismo para las figuras importantes y rostros hieráticos e inexpresivos en señal de respeto hacia ellos.

Veronica L. Pulido Hernandez & Yael E. Sotelo Zazueta

ARTE ROMANO

AQUI ESTA UN VIDEO CON IMAGENES DE PINTURAS ROMANAS

EL ARTE ROMANO SE INICIA EN INTIMA CONEXION CON EL ARTE ETRUSCO Y CON EL DE LAS COLONIAS GRIEGAS DE LA MAGNA GRECIA, DE CUYA CULTURA ES DIRECTO HEREDERO INCORPORANDO A DEMAS MULTIPLES ELEMENTOS DE LAS MAS DIVERSAS CULTURAS MEDITERRANEAS BAJO DOMINIO ROMANO, CON UN SINCRETISMO SUMAMENTE CARACTERISTICO.

-SE DESARROLLA FUNDAMENTALMENTE A PARTIR DEL SIGLO III a.C. Y EVOLUCIONA CON EVIDENTE HOMOGENEIDAD HASTA EL SIGLO V d.C., A TRAVéS DE LAS ETAPAS QUE VAN SEÑALANDO SU EVOLUCION POLITICA: REPUBLICA(HASTA EL AÑO 27 a.C.), ALTO IMPERIO(HASTA EL SIGLO III d.C.) Y BAJO IMPERIO (SIGLOS IV Y V d.C.)

LA PINTURA ROMANA

- Las pinturas se hallaban en las paredes de ls casas de los romanos mas adinerados, generalmente se trata de "pintura al fresco", aunque también está documentada la "pintura sobre tabla".
-La pintura romana tuvo como precedentes los frescos de las cámaras funerarias etruscas y la pintura griega, alcanzando un gran desarrollo.
-Sin embargo, los restos conservados son minimos y casi se reducen a los encontrados en las excavaciones de Pompeya y Herculano, donde los historiadores han establecido cuatro estilos:

*Los estilos pompeyanos

.Primer estilo o de incrustación(siglos II a.C. y I a.C.): el mas antiguo, imita revestimientos de mármoles.
.Segundo estilo, arquitectónico o de perspectiva (del siglo I a.C. al I d.C.) : los muros se adornan con representaciones arquitectónicas fingidas e intentos de perspectiva; también se introducen temas figurados, paisajes y bodegones.
.Terce estilo, ornamental o de paredes reales: se caracteriza por poner lo elementos arquitectónicos en primer plano, subrayando el muro y haciendo un efecto de ventana. las arquitecturas que aparecen son fantásticas, introduciéndose guirnaldas y amorcillos en escenas generalmente amarillas sobre fondos oscuros.
.Cuarto estilo o de iluminismo arquitectónico(siglo I d.C.): en él se retoma la perspectiva del segundo periodo pero se usan mas colores y mas elementos decorativos, introduciéndose formas arquitectónicas muy diversas, recuadros con escenas mitológicas y paisajes imaginarios.

PINTURA SOBRE TABLA
-La pintura sobre tabla debió ser habitual, como ocurría en Grecia, pero al tratarse de materiales perecederos no se ha conservado, salvo casos excepcionales, como los "retratos de El Fayum", de una necrópolis egipcia del siglo II.
Estos retratos representan, muy a menudo, a personas jóvenes, en muchos casos se ha comprobado que mas jóvenes que los difuntos, por lo que debían ser retratos que el fallecido se habia hecho en vida.

EL MOSAICO

-El mosaico era la decoración lograda por medio de pequeñas piezas de piedra, terracota o vidrio(las teselas), con las que se formaban decoraciones de motivos geométricos o figurados. Se utilizaban para la decoración de los suelos, aunque en algunos casos, en viviendas de extrema riqueza, aparece en las paredes.

Arte Griego

Arte Griego

No cabe duda que el arte griego ha marcado el arte y la cultura occidental hasta nuestros días.

De Grecia parte el principio humanista y de ideal de la belleza que va a marcar a Europa durante 25 siglos.

Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas.

Tras las invasiones de eolios, jonios, dorios y aqueos a finales del II milenio, la civilización micénica va a desaparecer. Los eolios y los jonios van a ocupar los dos centros micénicos más importantes: Atenas y Esparta.

Las principales características del Arte Griego son:

• Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista.
• Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura.
• Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros momentos pero, sobre todo, aportaciones propias.
• El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.
• Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy representada en escultura.
• Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

Los períodos del arte griego son:

• Período geométrico: 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones.
• Fase orientalizante: s. VII - principios s. VI a.C.
• Período arcaico: 610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo.
• Período clásico: siglos V y IV
• Primera fase: estilo severo o preclásico: 480-450 a.C.
• Segunda parte: estilo clásico propiamente dicho: segunda mitad del siglo V y siglo IV.
• Período helenístico: 323 - s. I a.C.

La arquitectura griega: La arquitectura griega está fundamentalmente representada por los templos, que se construyen conforme a unos principios o normas, que constituyen los órdenes arquitectónicos o estilos. Son dos los estilos clásicos, el dórico y el jónico, que responden a las dos raíces del arte griego, la doria y la jonia, la primera más en relación con las culturas de los metales europeas, y la jonia con Asia Menor. Ya en el siglo V se añade el orden corintio y, más tarde, en pleno período helenístico aparece el capitel compuesto. El estilo dórico se extiende fundamentalmente por Grecia y Sicilia. Tiene su origen en las construcciones de madera, cuyas formas se transponen a la piedra. Se caracteriza por la columna de fuste estriado, con aristas vivas, sin basa; capitel formado por collarino, equino y ábaco cuadrado; y entablamento que se divide en tres fajas, el arquitrabe, liso; el friso con triglifos que responden a las cabezas de las vigas transversales en las construcciones de madera y entre ellos las metopas, lisas o decoradas, que primitivamente servían para tapar los huecos entre las cabezas de las vigas; y rematando el entablamento, la cornisa saliente, con pequeños taquitos o mútulos. El estilo Jónico, originario de Asia Menor nos ofrece unas proporciones más esbeltas.

El tamaño de las columnas responde a una proporción o canon, tomando como unidad de medida o módulo, el diámetro del fuste en su base, de igual manera que en la escultura se toma el tamaño de la cabeza como módulo para la representación ideal del cuerpo humano. Los templos se elevan sobre unas gradas (krepis, cuyo último escalón es el estibolato), y según sus características reciben diversas denominaciones, de las que las principales son las siguientes:

*hípetro (sin techo),
*próstilo (con pórtico con columnas),
*in antis (cuando los muros de la cella o naos avanzan hasta el frente),
*anfipróstilo (con pórtico delante y atrás),
*períptero (rodeado de columnas),
*pseudoperíptero (con columnas adosadas en los lados),
*áptero (sin columnas),
*monóptero (circular),
*tetrástilo (con cuatro columnas en el frente),
*hexástilo (con seis columnas),
*octástilo (con ocho columnas),
*decástilo (con diez columnas).

Escultura griegas. El arte griego es el resultado de la mezcla de muchos elementos diferentes. Ellos a lo largo de su historia desarrollaron todos esos elementos y han creado un arte que fue la base de toda la cultura occidental. Ellos adaptaron la herencia de las culturas anteriores a la griega, y la perfeccionaron con todo sus elementos propios etc., haciéndola suya y creando una nueva y muy excelente cultura y arte.

El tema más importante de la escultura griega es la representación de la figura humana. El escultor griego busca la perfección corporal del hombre, en consecuencia la escultura griega se humaniza. Al principio tendían a ser rígidas pero con los años adquirieron flexibilidad mediante la observación de la naturaleza con un sentido idealista. Se buscó el perfecto equilibrio entre la sugestión de la naturaleza y su esfuerzo personal por presentar prototipos humanos ideales el material preferido siempre fue el mármol blanco, el bronce se empleó de manera complementaria y muchas estatuas eran policromadas. La escultura griega sufrió un proceso evolutivo en los siguientes períodos:

Periodo Arcaico: las estatuas eran de madera a las que se le rendía culto. Las maderas utilizadas eran olivo, ébano y encina. La escultura arcaica muestra sobriedad sobretodo las primeras. La de los atletas presentan líneas vigorosas y la de las muchachas una sonrisa rígida y primitiva. o Periodo de Transición: es una época que participa del arcaísmo anterior y anuncia ya la perfección del periodo clásico. Pertenecen a este periodo los relieves de los frontones de los templos.

Periodo Clásico: es el periodo de la perfección griega. En las obras de este periodo se confirma más claramente la idea griega de la belleza, consistente en la proporción por medio de la ordenación matemática entre las diferentes partes de la obra. Su belleza radica en la armonía y en la perfección que infunde serenidad y equilibrio a todas las obras de este periodo. Algunos grandes escultores de este periodo fueron: Mirón, Fidias, Policleto, Praxiteles, Scopas, Lisipo, etc.

Periodo Helenístico: resulta de la división del imperio griego. La escultura en este periodo sigue evolucionando. Se caracteriza por la condición patética de las obras reflejadas en las formas dramáticas y apasionadas, dinamismo en las expresiones, por el movimiento excesivo, por el interés de reflejar la anatomía y expresión dramática causada por el deseo de lograr estados anímicos.

La cerámica griega. La cerámica tuvo entre los griegos gran importancia. Fue muy rica y variada en sus formas y perfecta en sus acabados. Se caracterizo especialmente por la estilización y la expresión de las figuras. Durante el periodo arcaico se mostraba cerámica de figuras en negras sobre fondo rojo. En el periodo clásico predominan las figuras rojas sobre fondo negro brillante.

En el periodo helenístico aparecen las cerámicas con esmalte azul, amarillo o blanco con figuras de tendencia naturalista. Los vasos griego tenían diversas formas, las principales eran:

· El ánfora: para contener aceite, vino, etc.

· La crátera: para hacer mezclas de líquidos.

· La urna: vaso destinado a guardar las cenizas.

· La hidra: para contener el agua.

· El lekitos: para conservar ungüentos olorosos.

· El alabastro: para guardar perfumes y resinas.

· El cántaro: para beber.

· El cáliz: copa especial para los banquetes.

La pintura griega

Son muy escasos los vestigios que se han encontrado de la pintura de la antigüedad, por su difícil conservación. Debido a esto no se conoce muy bien cómo era la pintura en aquella época. Parece que evolucionó desde las figuras rígidas y frontales, o de perfil, sin volumen ni perspectiva (a la manera egipcia), hasta la representación del volumen y el movimiento. Se supone que comienza como motivo decorativo (pintando los vanos) en Grecia, la cual es deudora de la pintura cretense, una obra que se conoce a través de la cerámica pintada. Según estos restos, las representaciones serían geométricas, las figuras tenderían a ser cuerpos geométricos simples, como en el actual cubismo. Las escenas son de caza, guerra y mitología. Las siluetas están pintadas en negro, aunque en Corinto se pintan en rojo sobre fondo negro y con líneas en blanco. Se conocen los nombres de pintores como Klitias, Nearcos y Exequias.

En lo que a la pintura mural se refiere, se conoce a través de los restos hallados en Sicione y Corinto, que datan del siglo VIII a.C. Pero el auge de la pintura se da en el siglo V a.C. En Atenas se conocen los nombres de Polignoto, que introdujo el paisaje y la perspectiva en sus obras, y Mikón. Pintan los grandes templos y edificios públicos de Grecia, que parece que estaban policromados. La fuente sobre esto es Plinio, ya que no quedan restos.

Las épocas más esplendorosas parecen ser el siglo IV a.C. y la época helenística. En ellas parece haberse alcanzado el pleno dominio de los recursos pictóricos de luz y perspectiva. Surgen los géneros nuevos, como el retrato y el bodegón. El centro es Atenas, y Panfilio el pintor más conocido. Según él la pintura debe basarse en las matemáticas y en las reglas de la proporción. Pousías se hace célebre en la corte de Alejandro Magno. Esta pintura está prácticamente perdida, aunque puede que algunos mosaicos romanos sean copias de pinturas griegas, y puede que las pinturas murales encontradas en Pompeya.

Parece ser que la representación del paisaje también fue una conquista. Primero se introduciría como marco y luego como objeto mismo. Un paisaje humanizado en el que destacarían la presencia de elementos arquitectónicos. La perspectiva se conseguiría con el juego del claroscuro y la luz.

http://www.arteespana.com/artegriego.htm arte griego

http://www.arqhys.com/arquitectura-griega.html arquitectura griega

http://www.arqhys.com/articulos/griega-escultura.html escultura griega

http://www.arqhys.com/articulos/griega-ceramica.html ceramica griega

http://pastranec.net/arte/clasico/pinturag.htm pintura griega

Arte Egipcio

Arte del Antiguo Egipto

Se origino bajo el río Nilo y alcanzo 3 épocas de resplandor faraónico en los periodos denominados: imperio antiguo, medio y nuevo. La civilización egipcia se desarrollo durante más de 3mil años.

Comenzó alrededor de 3150 a. d c y termino en el 31 a d c cuando el imperio romano conquisto Egipto.

Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico simple. Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas realizaciones auténticas obras de arte y no trabajos de artesanía.

Gracias al seco clima de Egipto y a ser enterradas por la arena del desierto se han conservado una gran multitud de auténticas obras de arte

Se hacía una mezcla de cera con pigmentos de colores y se añadía una solución que se obtenía con las cenizas de madera y agua. A esta combinación se añadía cola o resina. Se calentaba la superficie a pintar y también las espátulas con los braseros llamados cauterium.

A veces se hacía primero el dibujo grabándolo con la espátula caliente y después se rellenaba la incisión con el preparado de pintura.

La mezcla de cera utilizada por muchos artistas de encáustica en la actualidad se compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar. Otros tipos de cera que también se puede utilizar para la encáustica son la parafina y el microcristalino, ambos derivados del petróleo, y la carnuba y la candelia, que son resinas.

Esta operación se llama encaustización y está perfectamente descrita por Vitruvio, Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.

En la tumba de Anjtifi, un gobernante del nomo de Hieracómpolis, se describe la crítica situación que padecía el pueblo:

Se enfatiza la construcción de templos e hipogeos. Entre ellos destacan:

• Gran Templo de Amón en Karnak
• Templo de Luxor. (Amenhotep III / Ramsés II)
• Templo de Hatshepsut en Deir el-Bahari
• Templos de Ramsés II en Abú Simbel
• Hipogeos del Valle de los Reyes

Tenian un temple del arte muy extendida. Y una de las más antiguas es la pintura al temple. Los egipcios ya lo conocían.

Allá por el año 2.100 antes de Cristo ya se conocía este tipo de pintura en Egipto y al hundirse el Imperio Antiguo y sobrevenir el Primer Período Intermedio, algún personaje importante decoró con una pintura al temple su futura y honorable tumba.

En la Prehistoria se utilizaba el carbón vegetal, pigmentos a base de hierro -rojo- y manganeso -negro-, y también, esporádicamente, sangre y caseína, todos ellos mezclados con grasa animal que cumplía la función de aglutinante.
El temple, el fresco y la encáustica son tres técnicas que se iniciaron en el mundo antiguo grecorromano y egipcio. La técnica del temple tiene múltiples formulaciones y fue utilizada como procedimiento de pintura mural. En Egipto se aglutinaban los pigmentos con agua y goma, colas y huevo, aplicándolos en zonas concretas, sin mezclar los colores. Generalmente es la yema de huevo, mezclada con látex de retoño de higuera y agua.

El fresco es la modalidad técnica más frecuente en la pintura mural. Se realiza sobre revoque de cal húmeda que sirve de soporte para los diversos pigmentos disueltos en agua. Los colores utilizados son preferentemente de origen mineral: blanco de San Juan (carbonato cálcico) y cal muerta (hidróxido de calcio) para el blanco; ocres naturales y tostados para el amarillo y el rojo; tierras para el rojo y el verde; lapislázuli para el azul; sombra de hueso natural y tostada para los marrones; y negro de marfil, de hueso o de carbón de vid para el negro. La realización del fresco precisa una gran preparación técnica y no permite rectificaciones, ya que éstas se hacen muy evidentes. Se emplea la sinopia, es decir, un dibujo preparatorio sobre el revoque que permite fijar los contornos y marcar las jornadas en las que se realizará la obra.
Algunas modalidades de pintura sobre muro se acercan del fresco, sin adquirir las tonalidades de aquél. Así podemos citar el fresco-seco, que aplica los pigmentos en la pared casi seca, para terminar la obra con colores mezclados con agua de cal (mezzo-fresco). A este procedimiento mixto podemos añadir los preparados actuales y la pintura al óleo, que se utilizan sobre el muro, y varias técnicas propias de cada autor.

La encaústica es una preparación a base de colores diluidos en cera fundida, que cumple la función de aglutinante y cuya aplicación se realiza en caliente.
La pintura mural, a la que se aplicaban las técnicas anteriormente comentadas, tiene en el esgrafiado una de sus formas eminentemente decorativas.

La Pintura entre los egipcios.

Las reglas del Arte egipcio permanecieron bastante invariables a lo largo de los 30 siglos que les vieron multiplicarse. Así, muchas figuras adoptan las mismas posturas y tienen rostros y atuendos similares.

Digamos que la pintura al fresco es otra manera de decorar los muros, tumba o Templo.

Al temple son en cambio unas ocas famosas, anteriores incluso a las pirámides de Keops, Kefrén y Micerinos, el Friso de ocas de Meidum, uno de los ejemplos de mayor realismo en la pintura egipcia de época remota.

Podríamos poner muchas imágenes más de frescos y temples egipcios. Por ejemplo,. la tumba que Sennedjem, un artista de los hospedados en Deir-el-Medina, que se construyó para sí mismo y que ya vimos en su día. En ella, el artista comparte con su mujer la vida en el Más Allá, donde también cultivan campos, eso sí, bajo la mirada y en compañía de Horus.

No obstante, la impresión que se obtiene de todos ellos es como si se tratara de figuras de "comic". Falta realismo, falta el retrato personalizado, las figuras son idealizaciones, así lo exigían las normas inmutables. Habrá que esperar siglos y siglos para que se produzcan cambios en los cánones eternos. Y ellos va a suceder de la mano de los Ptolomeos, griegos y de los romanos. Si se hecha un vistazo a las imágenes que decoran féretros de estas épocas. Veremos un cambio radical, que no es preciso explicar.

No es éste el único ejemplo, casi todos los féretros se decoran a partir de ese momento con imágenes de los difuntos de un gran realismo. En esta técnica los pigmentos de colores se mezclan con cera, y ésta se aplica en caliente, mediante un hierro o espátula. Con esta técnica era posible pintar sobre superficies duras, como marfil, vidrio, barro o porcelana. En este caso, sobre madera.

Arte Rupestre!!

Ivon Aranda y Hector Diaz

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Es conocida como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas, llamados petrogrifos y pictografías.

Petrogrifos: a una imagen que ha sido grabada en la superficies rocosas. Los cuales suelen estar en forma de surcos a centímetros bajo la superficie rocosa,logrando esto gracias a varios instrumentos elaborados con otras rocas .

Pictografias:son grafismos realizados sobre las rocas mediante la aplicación de pigmentos.caracterizada por utilizar en su preparación sustancias minerales (óxidos de hierro, manganeso, cinabrio, carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasas) o vegetales (grasas, colorantes).siendo estos aplicados con los dedos y la boca que es llamada pintura negativa que dejaba un contorno en la piedra.

La Sierra de San Francisco en Baja California (México) fue habitada desde el año 100 a.C hasta el 1.300 d.C por pueblos que dejaron una de las más excepcionales muestras de pinturas rupestres en el mundo. Notablemente bien conservadas debido al clima seco y a la difícil accesibilidad al sitio, las pinturas ilustran seres humanos y especies animales (mamíferos, peces, reptiles y aves), algunas veces en forma monumental, y empleando una gran variedad de colores y técnicas.

En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.

El primer arte de la humanidad aparece en la etapa de la historia llamada paleolítico superior que comprende entre los 30mil y los 8mil años a.c. en estos tiempos existía en el mundo un clima rudo con la alternancia de largos milenios de frio húmedo y frio seco dentro de lo que se denomina un periodo glacial, y con otras etapas de clima menos riguroso menos algo más cortas.

Los "hombres habitaban en Este Periodo Vivian de la caza y la Recolección y en cuevas o Abrigos rocosos, de forma estacional. Estos En Lugares arte desarrollaron las la pinturas rupestres: que es un boceto o dibujo encontrado en las cuevas o cavernas hechas por nuestros antepasados, aquí se de desarrollo un arte El Primero de la Humanidad. Las Paredes de las Cavernas fueron decoradas Pinturas, Pequeñas Esculturas Objetos y de arte mueble.

El arte paleolítico Tiene numerosos Puntos Dispersos en la Geografía de la Península Ibérica. En la España Cantábrica Son Más de 60 Las Cuevas Con arte .al Tiempo Que realizaron

El arte rupestre paleolítico parietal o en España FUE Descubierto Por El santanderino Marcelino Sanz de Sautuola Que, desde 1875, excavaba en la cueva de Altamira.

Otras dos piezas clave en Estos Descubrimientos fueron El abate Henri Breuil , Toda Una Vida dedicada al arte prehistórico , y Herminio Alcalde del Río .

En El arte parietal cabe distinguir Que El Que Se encuentra en el interior de las cavidades El del Realizado en sus bocas o en Abiertos Abrigos. La Naturaleza de los Soportes Disponibles condiciona, Como es lógico, la Realización de las Obras. Pintura Grabado y, o La Combinación de Ambos, en el interior domina el de las Cuevas.

El repertorio de temas del arte paleolítico se concentra en Figuras de Animales , Figuras Humanas Signos Manos aisladas -y de Interpretación Difícil . Las Representaciones predominante de Animales, Hasta El Punto Que Se ha podido Escribir Que El Arte del Paleolítico es esencialmente animalista. El caballo es el más animal representado; le siguen Bisontes , uros , cabras y Renos .

A lo largo del Siglo Han existido Último diverso interpretaciones Sobre el Significado del arte paleolítico , Como la de la magia propiciatoria , la de la reproducción humana y animal , la del arte Por El arte , la del totemismo , etc Para Los Investigadores Actuales, Quien sostenga Solamente uña de Hipótesis ESTAS SE equivoca . Sobre el Terreno, En Profundidad de las Galerías Humanas la, a priori Figuras Las milenarias, CADA UNO SE SABE y no inclinarse Por Qué Teoría interrogatorios.

En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos encontramos imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos, aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas. Los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Todos los grupos humanos que dependían de la caza y recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo pictórico, la pintura solía estar hecha con sangre de animales.

Las printuras rupestres se encuentran con mayor frecuencia en España y francia

porque en estas zonas el hombre encontró un lugar más propicio para sobrevivir a los cambios ambientales y al crecimiento demográfico.

En América la extensión continental y la multiplicidad de ambientes y culturas prehistóricas hace difícil una abstracción que permita caracterizar genéricamente.

En Argentina, se definen cuatro grandes estilos o culturas de arte rupestre en el noroeste del país. Se identifican tres momentos estilísticos en la Patagonia. En las sierras centrales de Provincia de Córdoba y Provincia de San Luis.

En Chile han determinado nueve estilos estrechamente relacionados con las distintas regiones geográficas.

En Perú, han establecido 14 modelos estilísticos de pinturas, grabados y geoglifos incluyendo las famosas y enigmáticas Líneas y geoglifos de Nazca y de Pampas de Jumana.

Bolivia plantea cinco períodos, y en Venezuela se han descrito cuatro áreas principales.

En Ecuador se han definido tres zonas de importancia en el área oriental.

En la amplia extensión del Brasil los últimos años han visto una proliferación de descubrimientos arqueológicos que llevan las variaciones estilísticas y culturales a más de cien variantes.

p pinturas rupestres en Tailandia, Malasia, Indonesia e India:

En Tailandia las cavernas se ubican a lo largo de la frontera Birmano-Tailandesa.

En Malasia las más viejas pinturas están en Gua Tambun en Perak, datadas en unos 2.000 años atrás, y los grafos en la cueva de Niah en el Parque Nacional homónimo, que datan de unos 1.200 años.

En Indonesia las cuevas de Maros en Sulawesi son famosas por las copias de manos, también encontradas en cuevas en el área de Sangkulirang.

En India destaca la región de Bhimbetka, un emplazamiento arqueológico en donde se encontraron rastros de vida humana de la Edad de piedra, entre ellos pinturas rupestres de hace unos 9.000 años.

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La península ibérica es uno de los territorios donde podemos encontrar yacimientos prehistóricos del periodo paleolítico en Europa. Uno de estos sitios es la Cueva de Altamira ubicada en España. En esta caverna existen unas ciento cincuenta pinturas, distribuidas en los muros y en el techo, pero el lugar más importante de la gruta es una cámara de 5 metros, en donde los grafos se elaboraron en el techo desnivelado, aprovechando así las protuberancias de la superficie rocosa para dar relieve a las figuras humanas y animales, especialmente bisontes -unos dieciocho- en un grupo de grafos policromáticos de gran detalle y realismo. Las composiciones de Altamira carecen de un sentido de conjunto y muchas veces las imágenes fueron superpuestas sobre otras más antiguas, circunstancia que confirma el propósito mágico-religioso y no meramente decorativo.

En el epipaleolítico, entre Barcelona y Almería, existen decoraciones murales rupestres en las paredes de cueva con superficies calcáreas y por sobre los 800 a 1000 metros de altura sobre el nivel del mar, hechas por un pueblo nómada. Estas pinturas se caracterizan por un realismo impresionante, considerando que fueron creadas con herramientas rusticas. Muestran un desarrollo estilístico que incorpora paulatinamente la abstracción, el detalle esquemático, y un dinamismo extremo. Pero lo que más llama la atención son los motivos antrópicos, incluyendo hombres vestidos con pantalones, ornamentados con plumas y armados con arcos, representando frecuentemente escenas de caza. Las mujeres utilizan faldas y están adornadas con plumas.

Durante el mesolítico, las comunidades humanas localizadas en la península se caracterizaron por desarrollar un nivel de trabajo artístico más avanzado al representar en imágenes situaciones cotidianas como la caza, las luchas, los ritos y ceremonias. Las primeras pinturas de este tipo se hallaron en el año 1903 en Calapatá, pero también se originó en las provincias de Almería, Albacete, Castellón, Valencia, Lérida y Teruel. Estas grutas se distinguen de muchas otras debido a que son meros refugios al aire libre. Entre las manifestaciones más impresionantes se halla la de Cogul (Lérida), que representa una ceremonia en la cual un grupo de mujeres danzan con faldas alrededor de un hombre.

En Portugal, Extremadura, Cádiz y la Sierra Morena se encuentran las pinturas más importantes de tendencia abstracta, representando signos ideomorfos.

La elaboración de pinturas rupestres en Francia comenzó en el año 30.000 a. C. atribuidas a la cultura auriñaciense en la gruta de Aurignac. Alcanzaron su máximo esplendor entre 14.000 y 13.000 años a. C., en la cueva de Lascaux descubierta por cuatro adolescentes de etnia gitana. En esta caverna son representados caballos, ciervos y otros animales. Las pinturas de la cueva de Lascaux se caracterizan por poseer contornos marcados con negros, para destacar la imagen y polvos de colores, para resaltar los efectos cromáticos.

En Australia se ha encontrado una significativa cantidad de pinturas, cuyos ejemplos más importantes están en el Parque Nacional Kakadu, una gran colección de pinturas a base de ocres. El ocre es un material no orgánico, por eso es imposible fechar las pinturas con el procedimiento de radiocarbono.

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